La exposición se encuentra en el Patio de las Esculturas
Por Reyes Gamez
Monterrey, México (Agencia de Noticias 3er Sector).- Las piezas que se presentan en la exposición INDEX son producciones para esta colaboración con MARCO; hacen referencia al exterior, al concepto de "entrar/salir", a la transición de un contexto a otro, tanto físico como virtual.
MARCO presenta la exposición INDEX organizada en conjunto con la galería FF projects, la cual está conformada por obras de artistas herederos de lenguajes post-conceptuales, quienes han expuesto internacionalmente con notoria repercusión como lo son:Stefan Brüggemann, Brian Eno, Ryan Gander, Mario García Torres, Gerold Miller, Gonzalo Lebrija y Linnea Goransson.
El subtexto de la exposición es relevante al momento que estamos todos viviendo e incita a reflexionar sobre las maneras en las cuales los eventos de actualidad informan el trabajo creativo de artistas reconocidos mundialmente.
"Me parece que Index, una palabra universalmente conocida como índice, es una manera directa y sin complicación para presentar lo que no solo es un índice personal de mi programa como curador, sino un índice de artistas cuyo trabajo está ligado conceptualmente", expresó Eduardo López, fundador y director de la galería FF projects, y quien es el curador de la exposición.
A raíz de la fuerte crisis económica que enfrentan los museos a nivel internacional, y derivado de la necesidad de buscar nuevos posicionamientos de las producciones artísticas actuales, MARCO pensó en el patio de las esculturas como una posibilidad de generar nexos con la comunidad artística de Monterrey que se ha preocupado por buscar un lugar en el espacio institucional global. Por tal motivo, su directora Taiyana Pimentel en colaboración con los Miembros del Consejo Directivo, pensaron en este proyecto.
La exposición se encuentra abierta al público desde el pasado 16 de octubre en el Patio de las Esculturas de MARCO y va permanecer hasta el mes de abril del 2021.
Las obras de INDEX
1. Stefan Bruggemann
Online: Disconnected (2020), neon, pertenece a la serie titulada Text Pieces. En esta serie Stefan Brüggeman muestra los fundamentos que confirman su interés por el lenguaje. La identidad gráfica de los textos que propone, fijados a la pared en vinilo o neón, se mantiene consistente usando una tipografía Arial Bold, pero cambiando el tamaño o puntaje para adaptarlo al espacio y ubicación. ONLINE: DISCONNECTED, nos obliga a reflexionar sobre la existencia y sobre cómo el ser humano vive en una constante línea de desplazamiento y consumo, intentando con su propuesta sacarnos de esa ensoñación colectiva. La mayoría de los textos que elige para sus obras, se tratan de extractos que hacen referencia a la vida digital que en cierta forma nos hace estáticos y que se ha intensificado en la actualidad con la pandemia.
This is not supposed to be here (2020), vinil. En el año 2012 en el Bass Museum en Miami, Brüggemann presentó la frase "(THIS IS NOT SUPPOSED TO BE HERE)" en una de las paredes exteriores de la exposición. El trabajo fue solicitado por la institución cultural, y con ella sugiere que su presencia está fuera de lugar o incorrecta. Con este tipo de frases trata de rebatir los valores e ideas que se suelen dar por sentados cuando miramos arte. En esta ocasión, la frase remata uno de los muros de MARCO, llevando a la reflexión al espectador.
Stefan Brüggemann (Ciudad de México, 1975) es un artista que trabaja en una amplia variedad de disciplinas artísticas entre Londres y Ciudad de México. Su obra forma parte de colecciones internacionales como: Walter van Haerents Collection, FRAC Bourgogne Collection, Dakis Collection, La Colección Jumex, Gelman Collection, The Marguiles Collection, Albright Knox Art Gallery Collection y Jerry Speyer Collection.
2. Brian Eno
Sing Tree (2020), acero. Es la primera escultura para exterior del artista, que representa de una forma abstracta un árbol que además "canta". La obra fue creada tomando de referencia las características físicas del espacio de tal manera que el sonido se emita en todo el Patio de las esculturas.
Condenser (2018), caja de luz, audio. Desde un núcleo de forma lenta, la pieza emite diferentes tonalidades de luz a partir de un algoritmo programado con bases universales y, a la vez, emite un audio de música generativa [Generative Music] de forma automatizada.
Brian Eno (Woodbridge, 1948) es músico, productor y artista visual, reconocido por sus instalaciones de luz, sus pinturas generativas y sus obras sonoras. Ha expuesto su trabajo desde finales de los setenta, años desde los que continuó exponiendo regularmente hasta la actualidad en ciudades como Tokio, Ciudad del Cabo, Río de Janeiro, Nueva York, Londres, Dublín, Madrid, entre otras. Ha expuesto en la Bienal de Lyon y en espacios como Serpentine Gallery, Londres; The Barbican Centre, Londres; Irish Museum of Moder Art, Dublín, por mencionar algunos.
3. Ryan Gander
Our Time Is Limited (2020), granito. Con la representación de una lápida dedicada a un artista imaginario, nos lleva a reflexionar sobre la caducidad, los límites del tiempo y la conciencia de la mortalidad. The Artist’s Second Phone (2020), acrílico sobre tela. Es un panorámico, cuyas referencias son los anuncios informales y casuales que se suelen ver en la Ciudad de México, que presenta un número de teléfono celular.
Esta pieza remite la idea de que todos estamos conectados como sociedad, independientemente en donde nos encontramos y de nuestra ubicación.
Ryan Gander (Chester, 1976) ha ganado una notoriedad internacional a través de obras de arte que se materializan en diversas formas que van desde la escultura hasta el cine, la escritura, el diseño gráfico, la instalación y el performance. Tiene un Doctorado en Artes por la Universidad Metropolitana de Manchester y la Universidad de Suffolk. Sus exposiciones individuales recientes han sido en espacios como Lisson Gallery, Shanghai (2019); Esther Schipper, Berlín (2019); TARO NASU, Tokio (2018); Santuario Dazaifu, Fukuoka (2017); Remai Modern, Saskatoon (2017); The Contemporary Austin, Texas (2017); Museo Nacional de Arte de Osaka, Osaka (2017); Hyundai Gallery, Seúl (2017); Museo Dhondt-Dhaenens, Deurle (2016) entre otros.
4. Mario García Torres
A veces es posible ver a través de las intenciones (2020), vidrio. Es parte de una serie de piezas producidas en referencia a la última obra escultórica de Alighero Boetti, a quien el artista ha investigado por varios años. En la enigmática Autoritratto (1993-1994), el artista italiano se retrata a si mismo con una manguera que vierte agua sobre su cabeza; la cual, por estar caliente, produce vapor. García Torres ha convertido la manguera de la escultura para producir una serie de obras que hablan sobre el vacío que la partida temprana de Boetti ha dejado. A veces es posible ver… es a la vez una excusa para discutir los grados de presencia que una obra puede tener en relación con su impacto, mientras que hace un juego de palabras sobre la validez de la "intención" del artista. La presente pieza funciona también como boceto de una más grande que se presentará en MARCO en una exposición individual en 2021.
Mario García Torres (Monclova, 1975) obtuvo estudios de Arte en la Universidad de Monterrey, y el MFA (Máster de Bellas Artes) en el California Institute of the Arts. Recientemente presentó el proyecto Solo en el Museo Jumex, CDMX, como respuesta al cierre temporal de instituciones culturales y en el contexto de los cambios abruptos en la producción artística que han resultado de la pandemia actual. Su obra está presente en las colecciones de Tate Modern, Museo Guggenheim, Centre Pompidou, Stedelijk Museum, La Colección Jumex, Colección CIAC, entre otras. Entre sus exposiciones individuales recientes destacan: Illusion Brought Me Here, WIELS, Bruselas (2019) y en el Walker Art Center, Minneapolis (2018); Falling Together In Time, Taka Ishii Gallery, Tokio (2019), Let’s talk together, Museo Tamayo, CDMX (2016); An Arrival Tale, TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, entre otras.
5. Gonzalo Lebrija
Cubo Torcido (2020), acero. Es una escultura para exterior que incorpora una realidad física y representa la transformación del tiempo y el espacio.
Gonzalo Lebrija (Guadalajara, 1972) utiliza medios como la fotografía, video, sonido y escultura. Entre sus exposiciones individuales relevantes se incluyen: Unfolded Paintings, Travesía Cuatro, Guadalajara (2017); Vía Láctea, Palacio de las Bellas Artes, La Habana (2016); Unfolded, Galerie Laurent Godin, París (2015) y Museo de Arte de Zapopan, Zapopan (2015); Measuring the Distance, La Casa Encendida, Madrid (2015); la 13th Istanbul Biennale (2013), y Possibility of Disaster, Centro de las Artes, Monterrey (2013).
6. Gerold Miller
Verstärker, (2018), acero. Es la primera serie de esculturas aisladas en la obra de Gerold Miller. Se trata de una estructura metálica conformada por tres vigas, con las cuales muestra los tres aspectos básicos de la tridimensionalidad: altura, longitud y profundidad. Con ello, trata de recrear un tema recurrente dentro de su investigación artística: la exploración y descripción de las innumerables posibilidades del espacio infinito. Gerold Miller (Altshausen, 1961). Es conocido por el tratamiento que da a sus creaciones con bordes afilados y formas geométricas que contrastan y dan una diferencia tonal con las superficies en donde se presentan, esto hace que exista una tensión continua entre el objeto y el espacio, donde el espacio se abre literalmente ante sus esculturas. Su trabajo se ha exhibido internacionalmente en varias instituciones internacionales como Nationalgalerie, Berlín; Louisiana Museum of Modern Art, Louisiana; Kunsthalle Winterthur; Kunstmuseum Stuttgart, Stuttgart; Kunsthalle Weishaupt, Ulm; Tel-Aviv Museum of Art, Tel Aviv; Museo de Arte Latinoamericano, Buenos Aires, entre otros.
7. Linnea Goransson
all the tides in the ocean, (2020), graffiti. Transporta al lector a una realidad paralela por medio de cortos enunciados poéticos que cuestionan la geografía, el contexto físico y mental, así como la percepción del tiempo y el paso del tiempo.
Linnea Goransson (Suecia, 1984) artista visual.
Acerca de FF projects
FF projects es un proyecto de exhibiciones que incluye una galería en San Pedro, Garza García, y un calendario de exhibiciones itinerantes en diferentes ciudades e instituciones, principalmente en Miami, Florida y Los Angeles, California.
La galería abrió sus puertas en 2008 en Miami y posteriormente en Nueva York en verano del 2009. Con la intención de establecerse en México, cambio su espacio a CDMX y posteriormente a Monterrey, donde se encuentra actualmente su sede principal.
Su programa se basa en artistas internacionales cuyo enfoque es conceptual, abarcando distintas disciplinas como la instalación, pintura, video, multimedia, etc. Paralelo al programa de artistas establecidos, se desarrolla uno de artistas jóvenes cuyo trabajo siga el enfoque conceptual de los establecidos.
